在景德镇进行为期两周的写生与调研，对我而言更像一次重新理解“创作”的过程。这里并不只是被反复提及的“瓷都”，更是一个仍在以手工为基础不断运转的生产与创作现场。走进工坊，我所面对的不是单一环节的展示，而是一整套完整而连续的工艺链条：从泥料处理，到拉坯成型，再到修坯、施釉与入窑烧制，每一步都紧密衔接。
这次调研中，我从“拉坯”开始参与陶瓷制作。双手接触泥料的那一刻，我才真正意识到，材料本身并不服从于预设的形态。它需要通过反复的尝试去寻找平衡：手的力度、转盘的速度、水分的控制，都会直接影响最终的形态。相比于在纸面或屏幕上的设计，这种过程更加不可控，也更依赖经验的积累。很多时候，形状并不是被“设计”出来的，而是在不断调整中逐渐显现。
在持续的实践中，我逐渐将关注点从“结果”转向“过程”。陶瓷制作中的每一个环节，都在修正最初的判断：拉坯时的微小偏差，会在修坯阶段被放大；施釉的厚薄变化，又会在烧制后呈现出完全不同的质感。这种层层递进的关系，让我重新理解了“时间”在创作中的作用——作品并非一次完成，而是在多个阶段中被不断重构。
基于这样的体验，我完成了自己的作品——一件青花瓷葫芦瓶。选择葫芦这一造型，是出于其在中国传统文化中的象征意义：既具有器物的实用逻辑，也承载着关于吉祥与圆融的文化隐喻。在具体制作中，我尝试在稳定的器型基础上，保留手工痕迹带来的细微变化，使形态既保持整体的协调，又不过于规整。
在纹样处理上，我以青花为主要表达方式。青花的呈现并不只是绘制图案，更涉及对线条节奏与釉色渗化的控制。笔触在坯体上的停顿、转折，以及烧制后蓝色的晕散效果，共同构成了最终的视觉层次。在这一过程中，我逐渐体会到，绘制并非孤立存在，而是与材料、工艺条件密切相关。
这次在景德镇的调研，也让我重新思考当代设计与传统工艺之间的关系。相比于直接借用传统符号，我更倾向于从工艺逻辑本身出发，理解其形成的原因与运行方式。只有在真正参与制作之后，才能意识到许多看似“形式”的部分，其实都建立在具体的技术与经验之上。
两周的时间并不算长，但足以让我从最初的观察者转变为参与者。从泥料在手中逐渐成形，到最终经过高温烧制成为稳定的器物，这一过程让我更加清晰地认识到，陶瓷创作不仅是视觉表达，更是一种在材料、身体与时间之间不断协商的结果。也正是在这种不断调整的过程中，我开始重新理解“手工”的意义，以及它在当代语境中的价值。
（中央民族大学视觉传达专业 吴若晨）
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